Monsieur Aznavour : Tahar Rahim incarne l'icône de la chanson française - Notre avis

Le film Monsieur Aznavour est un hommage cinématographique à l'une des icônes de la chanson française, Charles Aznavour. Réalisé par Mehdi Idir, connu pour son travail sur Patients, et Grand Corps Malade, qui a brillé avec La Vie scolaire, ce biopic musical met en scène Tahar Rahim dans le rôle principal. Tourné entre la France, l'Arménie, et d'autres lieux emblématiques qui ont marqué la vie du chanteur, le film promet de plonger les spectateurs au cœur des années 1950 où Aznavour a commencé à tisser son légendaire répertoire.

Monsieur Aznavour est un biopic ambitieux qui nous plonge dans la vie de l'une des figures les plus emblématiques de la chanson française. Réalisé avec un soin particulier, le film se démarque par sa richesse émotionnelle, sa direction artistique soignée, et des performances d’acteurs mémorables, en particulier celle de Tahar Rahim dans le rôle-titre. Si certains spectateurs pourraient être déconcertés par des choix narratifs non conventionnels, le film offre néanmoins une plongée sincère et poignante dans la trajectoire d'un artiste tiraillé entre sa carrière et sa vie personnelle.

Dès les premières scènes, Monsieur Aznavour s’impose par sa mise en scène audacieuse, jouant habilement avec les plans-séquences et les travellings pour immerger le spectateur dans l’univers intime de l’artiste. L'une des séquences les plus marquantes du film est celle de l’Alhambra, lors de l’interprétation de « Je me voyais déjà ». La caméra suit Charles des coulisses à la scène dans un mouvement fluide et continu, capturant chaque nuance de son angoisse avant sa performance. Le plan-séquence se prolonge lorsque la caméra tourne autour de lui, capturant à la fois son visage, tendu mais déterminé, et les spectateurs dans la salle et au balcon. Cette approche donne à la scène une intensité presque palpable, symbolisant la pression écrasante que ressent Aznavour à ce moment clé de sa carrière.

La séquence atteint son apogée dans un final émouvant : le rideau se ferme, et l’on entend, depuis les coulisses, les bruits de strapontin alors que le public se lève pour une standing ovation. Aznavour, pensant que la salle serait vide, hésite à saluer. Ce moment de doute, parfaitement rendu par Rahim, est finalement balayé lorsque le rideau s'ouvre sur un public en liesse. Cette scène est un modèle d'équilibre entre tension et libération émotionnelle, magnifiée par une direction technique impeccable qui laisse une empreinte durable sur le spectateur.

Le véritable cœur du film, cependant, repose sur l’interprétation de Tahar Rahim. Connu pour ses performances intenses et nuancées dans des films comme Un Prophète ou Désigné Coupable, Rahim relève ici le défi de s'approprier un personnage aussi mythique que Charles Aznavour, sans jamais tomber dans l’imitation ou la caricature. Sa prestation est d’une grande subtilité, capturant la gestuelle délicate du chanteur ainsi que son parlé distinctif, avec une justesse qui frôle la perfection.

Rahim parvient à rendre palpable la fragilité intérieure d’Aznavour, tout en incarnant sa force tranquille et sa détermination à poursuivre son rêve, souvent au détriment de ses proches. Chaque regard, chaque geste, semble emprunt d'une profondeur intérieure, et cette interprétation multidimensionnelle donne au film une richesse émotionnelle indéniable. Les spectateurs familiers des rôles antérieurs de Rahim retrouveront ici cette capacité unique à incarner des personnages d’une grande complexité psychologique, tout en y insufflant une sensibilité désarmante.

Le film ne se contente pas de peindre Aznavour sous un jour glorieux. Il explore aussi avec acuité les sacrifices personnels qui ont jalonné sa carrière. Très vite, le film établit que Charles n’est jamais aussi seul que lorsqu’il est au sommet de sa gloire. Sa sœur reste sa seule confidente, tandis que ses enfants et ses épouses passent au second plan, sacrifiés sur l’autel de sa carrière. Ce portrait d’un homme isolé malgré son succès est particulièrement poignant lors des moments les plus douloureux, comme celui où il choisit de monter sur scène à l’Olympia le soir des funérailles de son fils. Ce choix narratif fort illustre l’incapacité d’Aznavour à concilier sa vie personnelle avec son ambition dévorante, un thème qui résonnera profondément auprès des spectateurs sensibles aux drames humains complexes.

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Cette tension entre carrière et famille se retrouve tout au long du film. Dès ses débuts dans les cabarets, Aznavour fait le choix de quitter sa première femme et sa fille pour se consacrer entièrement à la musique. Ce sacrifice, symbolique de l’artiste prêt à tout pour réussir, est un fil rouge qui parcourt le film. Les spectateurs verront ici un homme prêt à brûler tous ses ponts pour atteindre le sommet, un aspect de sa personnalité qui est dépeint avec un certain fatalisme, mais sans jugement.

Un autre point fort du film est l’hommage rendu à la chanson française, non seulement à travers le parcours d’Aznavour, mais aussi via les autres figures musicales qui jalonnent son histoire. Édith Piaf, Charles Trenet, Gilbert Bécaud, et même un jeune Johnny Hallyday (qui interprète « Retiens la nuit », chanson écrite par Aznavour) font des apparitions marquantes. Ces moments offrent aux spectateurs un voyage dans l’histoire de la musique française, tout en mettant en lumière l’influence qu’Aznavour a pu avoir sur ses contemporains et les générations suivantes.

La scène où Aznavour et Hallyday chantent en duo est l'un des clous du film, incarnant cette passation de flambeau entre deux légendes de la chanson. De même, les interactions entre Aznavour et Piaf, interprétée avec une finesse remarquable par Marie Julie Baup, apportent une dimension intime et émotive à l’intrigue. Piaf, figure tutélaire pour Aznavour, le pousse à poursuivre sa carrière solo, malgré les obstacles. 

Un des aspects les plus intéressants du film est sans doute l’exploration du duo Aznavour-Roche. Les débuts d'Aznavour en tant que chanteur de cabaret, évoluant entre les numéros de strip-tease, sont marqués par une amitié forte avec Pierre Roche. Ce duo musical, né d'une erreur de programmation, trouve rapidement du succès, en partie grâce à l’esprit de négociateur rusé d’Aznavour, qui sait monétiser leur talent. Ensemble, ils partent en tournée avec Piaf et parviennent à se faire un nom au Canada, où ils connaissent un certain succès.

Cependant, cette relation se termine lorsque Piaf conseille à Aznavour de se lancer seul. Ce moment de rupture est représenté avec une émotion contenue, illustrant à quel point Aznavour doit faire des choix déchirants pour avancer. Ce dilemme entre camaraderie et ambition est l’un des thèmes récurrents du film, montrant que pour percer, Aznavour doit sacrifier non seulement sa famille, mais aussi ses plus proches collaborateurs.

D’un point de vue narratif, le film opte pour une structure en mosaïque, enchaînant des moments-clés de la vie d’Aznavour plutôt qu’une progression chronologique linéaire. Ce choix peut déconcerter certains spectateurs qui préfèrent une montée en tension plus classique. Cependant, cette structure permet de mettre en lumière des épisodes particulièrement marquants, sans s’enliser dans une reconstitution exhaustive de la vie du chanteur. Cette approche rend le film à la fois plus intime et plus universel, en se concentrant sur les instants décisifs qui ont façonné l’homme et l’artiste.

En définitive, Monsieur Aznavour est un film qui brille par sa délicatesse, ses performances d’acteurs et son hommage sincère à l’héritage culturel d’Aznavour. Tahar Rahim livre une interprétation exceptionnelle, capturant à la fois la fragilité et la force d’un homme en perpétuelle quête de reconnaissance. La réalisation, marquée par des prouesses techniques comme les plans-séquences audacieux, sert avec brio cette exploration intime d’une figure légendaire.

Ceux qui s’attendent à une reconstitution exhaustive de la vie d’Aznavour pourraient être légèrement déçus par le format non linéaire du film, mais ils y trouveront néanmoins une plongée profonde dans la psyché de l’artiste. Les amateurs de biopics humains et nuancés seront comblés par cette œuvre qui, au-delà du mythe, montre un homme prêt à tout sacrifier pour réaliser ses rêves. Un hommage vibrant et poignant à la chanson française, mais aussi à la complexité d’une vie d’artiste, où le triomphe public cache souvent des blessures profondes.

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